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diumenge, 14 de desembre del 2014

EL ESPECTADOR ACTIVO



Universitat Pompeu Fabra
Humanitats
Professor: Pol Capdevila

Asignatura: DARRERES TENDÈNCIES ARTÍSTIQUES

EL ESPECTADOR ACTIVO


Ante la propuesta de un proyecto de exposición y habida cuenta de que el discurso que se plantea conlleva que las características de algunas obras no se ajustan para su exposición en una galería, resulta más coherente, por razones de espacio, fijar la lineas de lo que podría ser un festival de arte contemporáneo en Barcelona, pues que a pesar de disponer de un aceptable museo, pensamos que durante un mes se podrían organizar actividades que dieran de qué hablar en un aspecto que sería novedad para el gran público. Qué duda cabe de que al hablar de arte raramente se hace en referencia al arte que se cocina hoy. Como se verá en las lineas siguientes, teniendo en cuenta el arte que se pretende presentar, el nombre más apropìado del festival sería Barcelona sensual, sensorial, sensacional!, que sirve tanto en castellano como en catalán.
La literatura de la crítica del arte suele hacer consideraciones sobre la subjectividad del artista, pero sin pretender la originalidad no se acostumbra a tratar de los referentes que conciernen al espectador. En este proyecto se presentan un conjunto de obras de artistas contemporáneos que, todas ellas, demandan la complicidad del espectador pudiendo ser ésta voluntaria, inconsciente, molesta, gratificante o perpleja. En en ningún caso no obstante esta complicidad será indiferente o pasiva, es decir, el espectador habrá estado activo, aunque sólo sea porque ha actuado un sentido que no era la vista, que es lo que se supone en el arte.
Obviamente es el artista quien ha propiciado esta complicidad, pero entendemos que quien percibe la obra de arte y siente una especie de reto es el que participa en el juego. El arte como juego. Entonces el artista ve completado su juego, ha finalizado el proceso creativo, pues ya ha pasado “a manos” del receptor, que lo ha terminado.
A lo largo de este proyecto nos daremos cuenta de que el arte contemporáneo ha perdido visibilidad y que no siempre se puede aplicar el dicho costumbrista “la vista es la que trabaja” porque intentaremos que en este festival todos los sentidos corporales entren en acción.
Los medios de comunicación social contribuyen al divismo que en muchos casos dan paso a la popularidad de un determinado deporte (Fernando Alonso) o arte (Josep Carreras). No cabe duda que la presencia en Barcelona de Marina Abramovic sería una magnífica oportunidad para dar cierta popularidad a la performance, además, tiene el valor añadido de que a sus sesenta y ocho años es una mujer bella. Por esta razón sería conveniente que su performance más conocido figurem en la inauguración del festival.

PROPUESTA Nº 1 – MARINA ABRAMOVIC
El mejor lugar de Barcelona para la inauguración del festival y dar comienzo a la primera performance The Artist Is Present (2010)[1] sería la Sala Oval del palacio donde se ubica el MNAC, no tanto por el arte que se expone, sino como marco para dar realce a la fecha y porque dicha sala permitiría a Marina Abramovic estar sentada en el centro de la sala para ser vista por un mayor número de personas.  
Aunque no todo el público tendría la oportunidad de sentarse ante ella, el público que rodeara la sala podría ser numeroso y tener buena visibilidad de la performance. El trabajo de la artista es agotador pues ella se exige una gran capacidad de concentración. Cuando lo realizó en el MOMA, de Nueva York, estuvo actuando siete horas y media diarias a lo largo tres meses.
Durante unos minutos un visitante se sentaba delante y los dos tenían que estar mirándose fíjamente a los ojos sin pestañear, hablar y sin moverse. El problema que plantea esta obra es que ella se sabe que es una diva, conocida como la “abuela de  la performance y sabe, aquello que no dice, que es una marca y, por lo tanto, atrae personal. Es claro que muchos de los participantes lo harán para llevarse un día de gloria, por haber pasado unos minutos en un diálogo silencioso con una artista global, que de todos es conocido que desaparece de vez en cuando para ir a vivir en una cabaña cerca del río, sin comer bebiendo agua tan solo. No obstante hay que apreciar el reto que representa estre trabajo, pues son muchas horas de concentración diaria, cada vez frente a un desconocido.



[1] Hyperallergyc UPR: http://hyperallergic.com/75766/the-artist-is-not-present-but-the-brand-sure-is/ (Consulta: 24.XI.2014)



PROPUESTA Nº 2 – BRUCE NAUMAN
Un proyecto que nos parece imprescindible es la performance Corridor (1970)  que Bruce Nauman presentó en el Palazzo delle Esposizioni[1], Roma, y también en formato video  Live Taped Corridor (1970). Según el curator de Roma sabemos que el corredor o pasillo mide 5 metros de largo y 50 centímetros de ancho. En todas las instalaciones de esta obra hay cámaras de video que filman al espectador/participante –sólo uno cada vez– que está siendo vigilado, recorriendo el pasillo de manera que se contemple a sí mismo como objeto y se perciba de que está siendo vigilado. Cuando éste se acerca al monitor espera de forma inconsciente que su cuerpo se agrandará, pero ocurre lo contrario, se reduce: el pequeño hombrecito. Además hay otro aspecto que refuerza la sensación se sentirse vigilado, en la pantalla siempre se ve de espaldas. Hay una sensación de alteridad que nos lleva al clásico “Big Brother is watching you”.
No obstante, dada la estrechez del pasillo es relevante la reseña de Sarah Renshaw sobre Skin,  de  Juhani Pallasmaa, que dice: “His main concern relates to the hegemony of sight in contemporary culture and the negative consequences this has had on the urban environment in particular. The title hints at his aim: “to create a conceptual short circuit between the dominant sense of vision and the suppressed sense modality of touch.” But he does not only refer to tactility as he explores man-made environments with his body as the locus, utilizing all the sensory apparatuses at his disposal, he explores also aural, oral, and olfactory perception of space and of self within space. The senses provide the interface between ourselves and the world, and so it is this interface he questions as an architect and as a modern individual forced to inhabit a world that has grown increasingly barren of sensory input extending beyond the detached Cartesian gaze of the eye.”[2]
Podemos percibir que si aceptamos la idea de que la piel tiene ojos entonces existe una presión sobre el cuerpo de la que no somos conscientes pero que nos debilita al estar nuestro cuerpo en un espacio reducido y muy vigilado.
Esta performance puede ser exhibida en cualquier galería de arte de Barcelona.





[1][1] Palazzo delle Esposizioni, Roma: UPR: https://www.youtube.com/watch?v=8itUfOo5LDU (Consulta: 25.XI.2014)
[2] Sarah Renshaw (2009) UPR: http://www.researchgate.net/publication/250172443_Designing_the_Sensorium_The_Eyes_of_the_Skin_Architecture_and_the_Senses_Juhani_Pallasmaa_Sensorium_Embodied_Experience_Technology_and_Contemporary_Art_Caroline_A._Jones_%28ed.%29
Consulta: 5.XII.2014)





PROPUESTA Nº 3 – JAMES TURRELL
Se trata de Milk Run III (2002) de James Turrell, que explica con las palabras siguientes. “Una luz es blanda y la otra tiene el borde duro. El título de “Milk Run” se refiere a los vuelos cortos que hacían los pilotos para recoger la leche de los granjeros en las zonas rurales. Milk Run III es parte de unas series de trabajos llamados trabajos fantasía. Estos trabajos crean colores tornasolados que juegan a través de una superficie aparente de la división de la luz – una cualidad que se modifica de acuerdo con los movimientos de los espectadores. [1]. Si la performance en algunos casos puede mantener el espectador a distancia, la característica  de la instalación es que el espectador está físicamente absorbido por la obra. Esto es muy elocuente en el caso que nos ocupa. El espacio está totalmente ocupado por la luz y en su punto fuerte, que podría evocar la apertura de un horno de vidrio, aparece una fuente de fantasmal de luz con tal fuerza que con nuestra mirada obtiene materialidad y nos sobrecoge, no es posible la contemplación ya que nuestros nervios están a flor de piel, pues es una belleza turbadora, sublime.
Me gusta ajustar la luz a la materiallidad que debería tener. Normalmente miramos a la luz como una forma de revelación de algo y estamos interesados con la luz como un revelación. Más que iluminar otras cosas me interesa la luz como algo material, su creación como objeto, el hecho de crear una cosa requiere una habilidad.”
Es evidente que el título de la obra nos resulta absurdo, pero lo que captiva de esta obra es su capacidad de sorprender al espectador por un tiempo, no es un instante, el espectador se mueve, circula por el espacio, no percibe que el movimiento de la luz se debe a su propio movimiento, por lo que se sentirá, en todo momento, atrapado y poseido por una fuerza superior, este fuego visual que es resultado de la teconología.
Entendemos que esta instalación  puede ser expuesta en cualquier otra galería de arte de la ciudad.




[1] Mattress Factory: UPR: http://www.mattress.org/archive/index.php/Detail/collections/167 (Consulta 5.XII.2014)




PROPUESTA Nº 4 – RYOKI IKEDA
Posiblemente la obra de arte que más se recordará en la ciudad es la que proponemos seguidamente. Si bien cabe señalar que el artista es ya conocido en Barcelona por sus presentaciones en el Sónar. Es una gran instalación diseñada por Ryoki Ikeda, que ecualiza los elementos simbólicos y abstractos: el sonido, los puntos, el ruido y el código, que son sus materiales de composición. Todo bajo una mezcla de cálculo matemático e intuición, pues con Ikeda se cumple la descripción de al-Farabi en el sentido de que debe existir una región en el cerebro, a la que él denomina el tercer intelecto, donde se produce un nuevo lenguaje o sensibilidad[1]. El trabajo de Ikeda consiste en capturar la luz como un fenómeno natural para luego manipularla en imágenes que se mueven; de forma que el sonido y la luz alteran el espacio de donde se realiza la instalación.
La instalación Spectra (2004)[2] que se presentó en la Terminal del Aeropuerto de Nueva York consistía en un túnel futurista de unos 92 metros de largo, lleno de brillantes luces con un fondo blanquecino que convertía el espacio en una especie de nebulosa. El espectador se podía encontrar en la más absoluta oscuridad o en un espacio lleno de luz brillante, la relación entre nuestro cuerpo físico y el espacio que nos rodea será indescifrable. El efecto será como si uno se hallara suspendido en el aire mientras el déficit de estímulo visual catalizará la recepción de sonido del visitante. “High-frequency sound on the outskirts of the audible scale will fill the space, and although the visitor not notice the sound when first entering, oscillation patterns will be present. These patterns generate a state of interference that occurs when the visitor’s movement disrupts the invisible web of sound waves stretched across the space. Although it could be described as primitive interactivity, the visitor is not so much consciously aware of the effect; if anything, the sound stimulates a focused awareness on experiencing a new sensation … As is Ikeda’s intention, spectra appeals to a level of awareness that precedes thought and therfefore extremely  difficult to convey linguistically”[3].
En el mismo texto de la cita leemos que a pesar de que Ikeda emplee en sus obras equipos de alta tecnología, no por ello  debemos concluir que es un entusiasta de la tecnología, pues podría considerarse por el contrario una crítica a la misma. En su trabajo no hay fetichismo hacia la tecnología. Los sonidos excesivamente amplificados  nos recuerdan a los charlatanes  que se dirigían por la radio para hacer propaganda política. Este sonido usado para hacer política ideológica puede agradar o desagradar, algunas veces es una herramienta para el lavado de cerebro o para la tortura. La intención de Ikeda es usar el sonido como un elemento puro, deconstruiir el desarrollo de la tecnología asociada al sonido. Su interés trasciende lo placentero y lo contrario.[4] 
Para certificar que este espectáculo puede ser el rey del festival, veamos lo que escribió Time Out en julio de 2014 a propósito del Spectra que se presentó en Victoria Tower Gardens: “Us Londoners love our braggable 'had to be there' moments - the oft-quoted, never-repeated gig, party or performance. But to experience the most epic public art project you'll see all year, perhaps all decade, you only need to look outside, from pretty much anywhere in the city, at any time after 9pm for the next seven days. Raise your eyes to the sky and you'll see a soaring column of light beamed thousands of metres into the stratosphere. Installed in Victoria Tower Gardens, just beside the House of Lords, 'Spectra' is the work of Paris-based Japanese artist and composer Ryoji Ikeda, a master of minimalist electronica and installation art with an international reputation for hi-tech sublime[5]. No cabe duda de que convendría apropiarse la idea de Londres para ofrecer este espectáculo en Montjuïc para que alcanzara la máxima visibilidad de la ciudad.



[1] Yuko Hasegawa (2003) Ryoji Ikeda en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.) 68
[2] Wikipedia: Spectra URL: http://en.wikipedia.org/wiki/Spectra_%28installation%29 (Consulta: 5.XII.2014)
[3] Yuko Hasegawa (2003) Ryoji Ikeda en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.) 69
[4] Ibid. 69




PROPUESTA Nº 5 – MARINA ABRAMOVIC
Marina Abramovic ha presentado la instalación Generator (2014) en Sean Kelly Gallery, de Nueva York, hasta el 6 diciembre 2014. La periodista del New York Times ha escrito que la misma no depende “on Ms. Abramovic’s charismatic personal presence”. En la web de la galería[1] podemos leer como frase-reclamo-introducción: “The new type of art will be more like a power station, a producer of new energy.” - Alexander Dorner (1893-1957)”.
Admitamos que la frase es propicia en una instalación en la que se priva a los visitantes del sentido de la vista y del oído. En la galería no puede haber más de 68 visitantes. Los visitantes se pasean por la galería con total libertad y pueden ya tocar ya abrazar a otro visitante. El abrazo se puede alargar de mutuo acuerdo. La periodista citada cuenta que al cabo de un rato empezó a sentirse incómoda y le entró sudor, levantó la mano y tuvieron que facilitarle la salida. La periodista se pregunta si Abramovic es una artista o un gurú. Termina diciendo que una obra de arte sin la presencia eléctrica de Abramovic queda descafeinada.[2] Pensamos que este último comentario de la periodista confirma, por un lado, que para ella Abramovic no és una marca más, pues encontró a faltar su “personal presence”; por otro lado, que la sudoración que sufrió no fue producida por ningún guru, sino por su propia  angustía.
No supo tener en cuenta que el arte no necesariamente despierta placer, por lo que fue su subjetividad, su percepción de la obra de arte lo que la angustió; esta reacción personal no presupone que tuviera que ser compartida por todos los visitantes. Los sentidos de cada cual ante la misma situación responden de distinta manera. Este es el mérito de Abramovic.
Pensamos que esta performance sería adecuada para el MACBA.








PROPUESTA Nº 6 . MATHIEU BRIAND
Palabras del artista Mathieu Briand:
“The physical space, which is situated in the building, is defined by nine sockets and three cameras. They are linked to a matrix made up of predetermined combination. This is the mental space. The audience members wear helmets that incorporate a camera, goggle-style-compact monitor, and headphones. The audience members may also carry a connector that can be plugged into and unplugged from the nine sockets placed around the museum, in order to exchange audiovisual experiences with others.
When a connector is not plugged into the socket, one sees the enviroment through his/her own camera. In other words, one walks around seeing the surrounding enviroment through his goggle monitor. When the connector is plugged into a socket in the wall, the person sees the view taken by one of the three cameras installed in the building, or taken by another camera worn by another audience member whose camera is also connected to a socket. By plugging into different sockets, one would see different views taken by differfent cameras. Even when one keeps the connector plugged into the same socket, the view unexpectedly  switchers when others unplug and/or plug. Views do not randomly switch. They have certain combinations of patterns. The audience will exchange what they see with others and influence what others see through the connections.
La instalación SYS*017 (2004)[1] integra una realidad a través de su uso, pero distorsiona el significado de esta realidad. Nuestro sistema de movimiento espacial/visual es redefinido. Los espacios mentales y espaciales comparten los mismos límites. El espacio mental evoluciona a través de las conexiones. El cuerpo se desplaza así mismo en la busca de distintas visiones del espacio, y la visión se desplaza a sí misma de acuerdo con las conexiones individuales en el espacio.[2]
En este trabajo, que se exhibió en Kanazawa, Japón, Mathieu Briand ofrece un nuevo acercamiento a la deconstrucción del concepto del sujeto. La percepción está separada del sujeto y éste es compartido o intercambiado con los otros. De forma que libremente se dispersa y vaga, la percepción se combina con las sensaciones de antigravedad corporal para formar un dominio de realidad que no es ni virtual, ni físico. Es aquí que Briand descubre las nuevas ideas generadas en el nuevo dominio.[3]
El arte de Briand nos propone, como el de Ryoki Ikeda, que las nuevas tecnologías no solamente dan más profundidad a los sentidos corporales, especialmente la vista y el oído, sino que el cuerpo humano y la mente entran en juego con una fuerza exterior que no somos capaces de controlar toda vez que el campo de las sensaciones y de las percepciones se amplía de tal forma que nos transporta a un lugar que sólo puede ser mental.



[1] Mathieu Briand: SYS*017 UPR: http://www.mathieubriand.com/2004/sys017-rer06-pig-eqn1525/#6 (Consulta 6.XII.2014)
[2] Mathieu Briand (2003) Mathieu Briand en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.) 54
[3] Yuko Hasegawa (2003) Mathieu Briand en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.) 51




PROPUESTA Nº 7 – SISSEL TOLAAS
Nos atrevemos a decir de una manera un tanto provocativa que aquello que percibe el sentido del olfato tiene algo de mágico porqué es el más inmaterial. El gusto o la música nos llegan desde algo físico que vemos, pero el olor es distinto. Incluso se suele percibir que el olfato es un anexo al sentido de la vista, pues “la vista no engaña”, de forma que si olemos una piel de naranja y luego vemos una piel de naranja, tenemos clara la asociación; sin embargo, el olor se difunde de forma irregular y suele ocurrir que dos personas personas que están juntas no necesariamente perciben las dos un mismo olor. Si tenemos una visión desagradable, sólo tenemos que girar la cabeza y mirar a otro lado, mientras que no podemos evitar un olor desagradable que nos penetra y nos invade. Nos consta que el olor suele ser algo efímero, evanescente; sin embargo, en Noruega existen iglesias de madera con una antigüedad de más de mil años que todavía huelen a madera.[1] En cuanto a lo efímero leemos: “Smell, at least sincew Locke, Kant and Condillac, has been relegated to phylosofical abjection, with fragance, odor, scent, aroma, perfume, and stench all placed at the bottom of the epistemological hierarchi. Because it is ephemeral, Locke speculated, smell could not stimulate considered thought, and the poverty of our descriptive language for smells was proof, for him, of this low status.”[2]
Creemos que este elemento de lo efímero podría explicar las distintas asociaciones que se han hecho con los olores; así en la cosmología medieval existía un mosaico de colores, sonidos, y fragancias. En el cielo los santos y ángeles cantaban eternamente en un floreciente jardín. Este imaginario fue reforzado por el ritual cristiano: incienso, música,  vestuario, así como en las fiestas de los sabores y en los fastos a que se entregaban los participantes a través de todos los sentidos.
En el cristianismo se dio la creencia del olor de santidad, puesto que “who lived in a state of grace would be infused with the divine scent of the Holy Spirit–the breath of God.” Hubo unas santas, entre las que hemos de señalar santa Teresa de Ávila que “many days after the saint’s death, a nun noticed a sweet odour in the kitchen”[3]. Nótese que este “milagro” no se dio en los santos.

No hay duda de que la persona que más sabe de olores –ha catalogado más de 7.000– se trata de la noruega Sissel Tolaas. Ella estaría en parte de acuerdo con Locke, pues sabe nueve idiomas y admite que ninguno tiene una terminología clara para definir los olores. Sus investigaciones están en el campo de la sociología, el arte y la ciencia. Nos permitiimos transcribir dos citas de la misma que revelan su personalidad ante la sociedad: “Smell provides a potent symbolic means for creating and enforcing class and ethnic boundaries … The issue of smell and pollution has moved beyond the question of what constitutes a bad smell and the importance of unfouled air;  what is at issue is whether or not we have right to “freedom of smell,” or whether our olfactory enviroment can be censored with impunity by those who prefer to keep their stinks hidden”.[4]
Sería positivo proponer que este festival de arte contemporáneo contara con la presencia de Sissel Tolaas, pues esta noruega que afirma estar situada en la linea intermedia entre arte y ciencia ha presentado sus investigaciones y proyectos en MOMA Nueva York; MOMA San Francisco; Fondation Cartier, Paris; Museum of Modern Art Berlin; Tate Gallery, Liverpool; Venice Biennale of Art as well as Architecture; National Art Museum of China Beijing.[5] Creemos que su presencia sería muy conveniente, pues esencialmente es una educadora social en los olores. Pureba de ello es su respuesta a la pregunta que se le formuló en cuanto a su arte: “One project I had was to make cheese from human bacteria. We found that several bacteria in cheese and humans are the same. We live in a world where the worse the smell of the cheese the better it is, but the opposite is true for the body.”[6] Una elocuente provocación.
No obstante consideramos imprescindible terminar el capítulo de los olores citando a Catherine A. Jones: “This personalization of the sensorium is essential. The segmentation of the senses through modern hygiene –those practices by which we care for the body and its enviroment by cleansing, separeting, and purifying– can be termed (following Foucault) “tecnologies of the self”. As such, they are deeply related to individuation, and neatly organized as visual mastery of an ever more complicated social and sensory field. The Narcissus myth in modern narratives needs sight before he can confirm the self-love on which subjectivity depends, but sight is also a metaphor for the mental act of subordination itself, in which the other sense are spectacularly denied.”[7]



[1] Andreas Keller (2012) Odor as Art Medium UPR: http://andreaskeller.squarespace.com/odor-as-art-medium-2012/ (Consulta: 7.XII.2014)
[2] Caroline A.Jones (2012) The Mediated Sensorium en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.) 12
[3] Constance Classen (2003) Fragance: The Odour of Sanctity  en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.) 142-3
[4] Sissel Tolaas (2003) Sissel Tolaas en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.) 103
[5] Edinburg International Fashion Festival UPR: http://edinburghinternationalfashionfestival.com/eiff_people/sissel-tolaas/ (Consulta: 7.XII.2014)
[6] Slow Travel Berlin (2012) Sissel Tolaas: The smell artist UPR: http://www.slowtravelberlin.com/the-smell-artist/ (Consulta: 7.XII.2014)
[7] Caroline A.Jones (2012) The Mediated Sensorium en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.) 17





PROPUESTA Nº 8 – FERRAN ADRIÀ
Aceitunas esferificadas
En un festiva de arte contemporáneo que se abre a la participación de la ciencia olfatativa, sería injusto olvidarnos del sentido de gusto cuando en Barcelona contamos con el cocinero de mayor prestigio mundial, el más influyente y el que ha revolucionado la alta gastronomía con la deconstrucción. El filósofo Jean-Paul Jouary es autor del libro Ferran Adrià ¿cocinero o artista? Un filósofo en elBulli, cuyo contenido del libro explica Alianza Editorial con estas palabras:  “¿Y si este restaurante no fuera como los otros, sino un lugar de creación artística en el que, al igual que a una sala de conciertos o a una galería de arte, uno no va a alimentarse de una forma agradable sino en busca de emociones íntimas? Ferran Adrià no es sólo un cocinero, sino un artista, y este acontecimiento en la historia de la estética no puede ser ignorado por la filosofía. ¿Puede ser el comer una de las bellas artes? Jean-Paul Jouary responde a esta pregunta con tanta elegancia como finura, mostrando las creaciones de elBULLI en espectaculares fotografías de Francesc Guillamet. El libro se cierra con una entrevista inédita del autor con Ferran Adrià”.[1]
Pa amb tomàrques
En el 2007 la Documenta 12, Kassel, invita a Ferran Adrià[2]. Un hecho histórico por lo controvertido, pues llevó a los medios la pregunta si la cocina es arte y, ciertamente, como se trata de una cocina cara resulta obvio que es elitista y la gran mayoría debe contentarse con las fotografías, como ocurre con Peter Halley. La cocina tiene, sin embargo, un matiz que no tiene el olor: la imagen. El ingrediente principal de la cocina de Ferran Adrià es la deconstrucción. Se trata de una técnica que consiste en manipular los alimentos o ingredientes de forma que se respeta su sabor a la vez que se altera su estructura. En la mesa se presentan sabores clásicos de manera sorprendente como es el caso de las famosas aceitunas esferificadas[3], casi líquidas, o el pa amb tomàquet servido en copa[4] como si de un cóctel se tratara. También se descubren sabores cuando con esta técnica se ha llegado a una combinación nueva o se han utilizado productos desconocidos. Siendo válida la frase de Mao Zedong de que “si quieres saber si la pera es buena has de arrancarla y morderla” tenemos interiorizada la castiza que “la comida entra por los ojos”, que aunque pueda estar en contra del alma de sensorium pensamos que queda reforzada, puesto que en los platos de Ferran Adrià hay arte para los sentidos.
Habida cuenta de que en Cataluña hay dos cocineros con tres estrellas Michelin, los hermanos Roca del Celler de Can Roca y Carme Ruscalleda del Restaurant Sant Pau, nos preguntamos si tendría sentido que Adrià tuviera la colaboración de Roca y Ruscalleda.


[4] Ferran Adrià, Juli Soler, Albert Adrià (2002) El Bulli 19982-2002 (Roses: El Bulli)  551





PROPUESTA Nº 9 – “TEATRO DE LOS SENTIDOS”
El arte es cada vez más indefinido, la literatura es transgenérica y el arte de la pantalla se reinventa cada día a la vez que el teatro ha acortado la distancia con su público. Los colombianos Enrique Vargas y Nelson Jara se establecieron en Barcelona en la década de los noventa con éxitos teatrales consechados en su país y en Europa, aquí fundaron el Teatro de los Sentidos y en julio de 2006 presentaron en el CCCB la obra El eco de la sombra. Nuestro tema es el espectador activo y sensorium, en esta obra el protagonista “és invitat a una experiència, alguns diuen sensual, però en el seu sentit més ampli perquè hi intervé el sentit de l'oïda, el tacte i sobretot el del olfacte… inspirat en “L’ombra” de Han Christian Andersen.”[1]
El Eco de la Sombra
Como muestra de la proyección internacional del equipo de Enrique Vargas cabe señalar su participación en el Pittsburg International Festival of Firsts bajo el nombre de Theatre of the Senses con la obra The Echo of the Shadow. En este punto hemos de precisar que por tratarse de teatro de los sentidos la palabra no existe y no hay ningún texto para traducir, lo que explica la validez de la traducción del titulo.
Sobre la representación en cuestión podemos leer: “The most demanding and transformational of projects during the 2008 Festival of Firsts was "El Eco de la Sombra" by Barcelona-based Teatro de los Sentidos.  This innovative company has pioneered an intimate style of "theatre in the labyrinth", through which each audience member travels to experience a personal journey full of heightened perception and self awareness.  
El Eco de la Sombra
Staged in a former U.S. Military Armory complex, Clear Story collaborated with the company's astute artistic and technical team to develop the implementation plan and facilitate the company's process for this complex theatrical work.  This production was critically acclaimed and generally regarded as the standout "theatrical experience" of 2008”.[2]
A propósito del proyecto que nos ocupa hemos tenido la oportunidad de hablar con Nelson Jara. Admite que los trabajos del Teatro de los Sentidos podrían ser entendidos como instalación, pero prefieren considerarlos teatro porque a pesar de que el público circula dentro del espacio que han creado, en sus obras hay una historia. Su trabajo actual, éxito en Dinamarca, es El Corazón de las Tinieblas (2014)[3], que mantiene la premisa del equipo, en palabras de Jara, “contar una historia con los cinco sentidos”, pero además buscan que la obra sea “una experiencia trascendente o poética”, en su sentido más profundo. performance algunos olores los obtiene de plantas frescas o quemando según qué maderas; evidentemente, hay olores que los obtiene del mercado. En esta obra el sentido del tacto funciona no tanto por tocar con la mano, sino por el contacto corporal entre el público. Como siempre el Teatro de los Sentidos es una experiencia sensorial completa, cuyo marco parece nuevamente adecuado el CCCB.
El Corazón de las Tinieblas
Respecto a los sentidos, los investigadores Vargas y Jara trabajan bajo todas las perspectivas posibles, incluso con ciegos para acertar mejor en su sensibilidad. En sus obras no hay música, pero sí “paisajes sonoros”, el silencio es importante por pertenecer a “lo no dicho”. La especialidad de Jara son los olores, así rosa refleja a una mujer sensual, el jazmín a un señora de edad , el almizcle y la lavanda al hombre; en sus trabajos, cuando la obra tenía que representar a una ciudad, entonces, en el caso concreto de Barcelona, por las mañanas olía los cafés, por lo que su aroma representa “buenos días”, luego olía los múltiples olores de los mercados y más tarde el olor de las fiestas. Para el teatro/


[2] Clear Story UPR: http://clearstorycreative.com/theatre-production-1/ (Consulta: 13.XII.2014)
[3] Teatro de los Sentidos: UPR: http://www.teatrodelossentidos.com/eo/obradetall.php?ido=115 (Consulta: 10.XII.2014)


BIBLIOGRAFIA
 


Caroline A.Jones (2012) The Mediated Sensorium en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.)

Constance Classen (2003) Fragance: The Odour of Sanctity  en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.)

Ferran Adrià, Juli Soler, Albert Adrià (2002) El Bulli 1982-2002 (Roses: El Bulli)

Mathieu Briand (2003) Mathieu Briand en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.)

Sissel Tolaas (2003) Sissel Tolaas en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.)

Slow Travel Berlin (2012) Sissel Tolaas: The smell artist UPR: http://www.slowtravelberlin.com/the-smell-artist/ (Consulta: 7.XII.2014)

Yuko Hasegawa (2003) Mathieu Briand en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.)

Yuko Hasegawa (2003) Ryoji Ikeda en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.)

INTERNET


(Consulta: 10.XII.2014)

(Consulta: 8.12.2014)

Andreas Keller (2012) Odor as Art Medium UPR: http://andreaskeller.squarespace.com/odor-as-art-medium-2012/
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(Consulta 8.XII.2014)

Edinburg International Fashion Festival UPR: http://edinburghinternationalfashionfestival.com/eiff_people/sissel-tolaas/
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Hyperallergyc UPR: http://hyperallergic.com/75766/the-artist-is-not-present-but-the-brand-sure-is/ (Consulta: 24.XI.2014)

(Consulta 8,12,2014)

Mathieu Briand: SYS*017 UPR: http://www.mathieubriand.com/2004/sys017-rer06-pig-eqn1525/#6 (Consulta 6.XII.2014)

(Consulta 5.XII.2014)

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(Consulta: 25.XI.2014)

Sarah Renshaw (2009) UPR: http://www.researchgate.net/publication/250172443_Designing_the_Sensorium_The_Eyes_of_the_Skin_Architecture_and_the_Senses_Juhani_Pallasmaa_Sensorium_Embodied_Experience_Technology_and_Contemporary_Art_Caroline_A._Jones_%28ed.%29
(Consulta: 5.XII.2014)


(Consulta: 25.XI.2014)

(Consulta: 10.XII.2014)

(Consulta: 8.XI.2014)

(Consulta: 5.XII.2014)