Blogaire:
diumenge, 14 de desembre del 2014
EL ESPECTADOR ACTIVO
22:00 | 
Publicat per
Albert
Universitat Pompeu Fabra
Humanitats
Professor: Pol Capdevila
Asignatura: DARRERES TENDÈNCIES
ARTÍSTIQUES
EL ESPECTADOR ACTIVO
Ante la propuesta de un proyecto de exposición y habida
cuenta de que el discurso que se plantea conlleva que las características de
algunas obras no se ajustan para su exposición en una galería, resulta más
coherente, por razones de espacio, fijar la lineas de lo que podría ser un
festival de arte contemporáneo en Barcelona, pues que a pesar de disponer de un
aceptable museo, pensamos que durante un mes se podrían organizar actividades
que dieran de qué hablar en un aspecto que sería novedad para el gran público. Qué
duda cabe de que al hablar de arte raramente se hace en referencia al arte que
se cocina hoy. Como se verá en las lineas siguientes, teniendo en cuenta el
arte que se pretende presentar, el nombre más apropìado del festival sería Barcelona
sensual, sensorial, sensacional!, que sirve tanto en castellano como en
catalán.
La literatura de la crítica
del arte suele hacer consideraciones sobre la subjectividad del artista, pero
sin pretender la originalidad no se acostumbra a tratar de los referentes que
conciernen al espectador. En este proyecto se presentan un conjunto de obras de
artistas contemporáneos que, todas ellas, demandan la complicidad del
espectador pudiendo ser ésta voluntaria, inconsciente, molesta, gratificante o
perpleja. En en ningún caso no obstante esta complicidad será indiferente o
pasiva, es decir, el espectador habrá estado activo, aunque sólo sea porque ha
actuado un sentido que no era la vista, que es lo que se supone en el arte.
Obviamente es el artista quien
ha propiciado esta complicidad, pero entendemos que quien percibe la obra de
arte y siente una especie de reto es el que participa en el juego. El arte como
juego. Entonces el artista ve completado su juego, ha finalizado el proceso
creativo, pues ya ha pasado “a manos” del receptor, que lo ha terminado.
A lo largo de este proyecto
nos daremos cuenta de que el arte contemporáneo ha perdido visibilidad y que no
siempre se puede aplicar el dicho costumbrista “la vista es la que trabaja”
porque intentaremos que en este festival todos los sentidos corporales entren
en acción.
Los medios de comunicación
social contribuyen al divismo que en muchos casos dan paso a la popularidad de
un determinado deporte (Fernando Alonso) o arte (Josep Carreras). No cabe duda
que la presencia en Barcelona de Marina Abramovic sería una magnífica
oportunidad para dar cierta popularidad a la performance, además, tiene
el valor añadido de que a sus sesenta y ocho años es una mujer bella. Por esta
razón sería conveniente que su performance más conocido figurem en la
inauguración del festival.
PROPUESTA Nº 1 – MARINA ABRAMOVIC
El mejor lugar de Barcelona
para la inauguración del festival y dar comienzo a la primera performance The
Artist Is Present (2010)[1]
sería la Sala Oval del palacio donde se ubica el MNAC, no tanto por el arte
que se expone, sino como marco para dar realce a la fecha y porque dicha sala
permitiría a Marina Abramovic estar sentada en el centro de la sala para ser vista
por un mayor número de personas.
Aunque no todo el público tendría la oportunidad de sentarse ante ella, el público que rodeara la sala podría ser numeroso y tener buena visibilidad de la performance. El trabajo de la artista es agotador pues ella se exige una gran capacidad de concentración. Cuando lo realizó en el MOMA, de Nueva York, estuvo actuando siete horas y media diarias a lo largo tres meses.
Durante unos minutos un visitante se sentaba delante y
los dos tenían que estar mirándose fíjamente a los ojos sin pestañear, hablar y
sin moverse. El problema que plantea esta obra es que ella se sabe que es una
diva, conocida como la “abuela de la
performance” y sabe, aquello que no dice, que es una marca y, por lo
tanto, atrae personal. Es claro que muchos de los participantes lo harán para
llevarse un día de gloria, por haber pasado unos minutos en un diálogo
silencioso con una artista global, que de todos es conocido que desaparece de
vez en cuando para ir a vivir en una cabaña cerca del río, sin comer bebiendo
agua tan solo. No obstante hay que apreciar el reto que representa estre
trabajo, pues son muchas horas de concentración diaria, cada vez frente a un
desconocido.
Aunque no todo el público tendría la oportunidad de sentarse ante ella, el público que rodeara la sala podría ser numeroso y tener buena visibilidad de la performance. El trabajo de la artista es agotador pues ella se exige una gran capacidad de concentración. Cuando lo realizó en el MOMA, de Nueva York, estuvo actuando siete horas y media diarias a lo largo tres meses.
[1] Hyperallergyc UPR: http://hyperallergic.com/75766/the-artist-is-not-present-but-the-brand-sure-is/
(Consulta: 24.XI.2014)
PROPUESTA Nº 2 – BRUCE NAUMAN
Un proyecto que nos parece
imprescindible es la performance Corridor (1970) que Bruce Nauman presentó en el Palazzo delle
Esposizioni[1], Roma, y también en formato video Live Taped Corridor (1970). Según el curator de
Roma sabemos que el corredor o pasillo mide 5 metros de largo y 50 centímetros
de ancho. En todas las instalaciones de esta obra hay cámaras de video que
filman al espectador/participante –sólo uno cada vez– que está siendo vigilado,
recorriendo el pasillo de manera que se contemple a sí mismo como objeto y se perciba
de que está siendo vigilado. Cuando éste se acerca al monitor espera de forma
inconsciente que su cuerpo se agrandará, pero ocurre lo contrario, se reduce:
el pequeño hombrecito. Además hay otro aspecto que refuerza la sensación se
sentirse vigilado, en la pantalla siempre se ve de espaldas. Hay una sensación
de alteridad que nos lleva al clásico “Big Brother is watching you”.
Podemos percibir que si aceptamos la idea de que la piel tiene ojos entonces existe una presión sobre el cuerpo de la que no somos conscientes pero que nos debilita al estar nuestro cuerpo en un espacio reducido y muy vigilado.
Esta performance puede ser exhibida en cualquier galería de arte de
Barcelona.
[1][1] Palazzo delle Esposizioni, Roma: UPR: https://www.youtube.com/watch?v=8itUfOo5LDU
(Consulta: 25.XI.2014)
[2] Sarah Renshaw (2009) UPR:
http://www.researchgate.net/publication/250172443_Designing_the_Sensorium_The_Eyes_of_the_Skin_Architecture_and_the_Senses_Juhani_Pallasmaa_Sensorium_Embodied_Experience_Technology_and_Contemporary_Art_Caroline_A._Jones_%28ed.%29
Consulta:
5.XII.2014)
PROPUESTA Nº
3 – JAMES TURRELL
Se trata de Milk Run III (2002) de James
Turrell, que explica con las palabras siguientes. “Una luz es blanda y la otra
tiene el borde duro. El título de “Milk Run” se refiere a los vuelos cortos que
hacían los pilotos para recoger la leche de los granjeros en las zonas rurales.
Milk Run III es parte de unas series de trabajos llamados trabajos
fantasía. Estos trabajos crean colores tornasolados que juegan a través de una
superficie aparente de la división de la luz – una cualidad que se modifica de
acuerdo con los movimientos de los espectadores. [1]. Si
la performance en algunos casos puede mantener el espectador a
distancia, la característica de la
instalación es que el espectador está físicamente absorbido por la obra. Esto
es muy elocuente en el caso que nos ocupa. El espacio está totalmente ocupado
por la luz y en su punto fuerte, que podría evocar la apertura de un horno de
vidrio, aparece una fuente de fantasmal de luz con tal fuerza que con nuestra
mirada obtiene materialidad y nos sobrecoge, no es posible la contemplación ya
que nuestros nervios están a flor de piel, pues es una belleza turbadora,
sublime.
Me gusta ajustar la luz a la
materiallidad que debería tener. Normalmente miramos a la luz como una forma de
revelación de algo y estamos interesados con la luz como un revelación. Más que
iluminar otras cosas me interesa la luz como algo material, su creación como
objeto, el hecho de crear una cosa requiere una habilidad.”
Es evidente que el título de la obra nos resulta absurdo, pero lo que
captiva de esta obra es su capacidad de sorprender al espectador por un tiempo,
no es un instante, el espectador se mueve, circula por el espacio, no percibe
que el movimiento de la luz se debe a su propio movimiento, por lo que se sentirá,
en todo momento, atrapado y poseido por una fuerza superior, este fuego visual
que es resultado de la teconología.
Entendemos que esta instalación puede ser expuesta en cualquier otra galería
de arte de la ciudad.
[1] Mattress Factory: UPR: http://www.mattress.org/archive/index.php/Detail/collections/167
(Consulta 5.XII.2014)
PROPUESTA Nº
4 – RYOKI IKEDA
Posiblemente la obra de arte que más se recordará en la ciudad es la que
proponemos seguidamente. Si bien cabe señalar que el artista es ya conocido en
Barcelona por sus presentaciones en el Sónar. Es una gran instalación diseñada
por Ryoki Ikeda, que ecualiza los elementos simbólicos y abstractos: el sonido,
los puntos, el ruido y el código, que son sus materiales de composición. Todo
bajo una mezcla de cálculo matemático e intuición, pues con Ikeda se cumple la
descripción de al-Farabi en el sentido de que debe existir una región en el
cerebro, a la que él denomina el tercer intelecto, donde se produce un nuevo
lenguaje o sensibilidad[1].
El trabajo de Ikeda consiste en capturar la luz como un fenómeno natural para
luego manipularla en imágenes que se mueven; de forma que el sonido y la luz
alteran el espacio de donde se realiza la instalación.
La instalación Spectra (2004)[2] que se
presentó en la Terminal del Aeropuerto de Nueva York consistía en un túnel
futurista de unos 92 metros de largo, lleno de brillantes luces con un fondo
blanquecino que convertía el espacio en una especie de nebulosa. El espectador
se podía encontrar en la más absoluta oscuridad o en un espacio lleno de luz
brillante, la relación entre nuestro cuerpo físico y el espacio que nos rodea
será indescifrable. El efecto será como si uno se hallara suspendido en el aire
mientras el déficit de estímulo visual catalizará la recepción de sonido del
visitante. “High-frequency
sound on the outskirts of the audible scale will fill the space, and although
the visitor not notice the sound when first entering, oscillation patterns will
be present. These patterns generate a state of interference that occurs when
the visitor’s movement disrupts the invisible web of sound waves stretched
across the space. Although it could be described as primitive interactivity,
the visitor is not so much consciously aware of the effect; if anything, the
sound stimulates a focused awareness on experiencing a new sensation … As is
Ikeda’s intention, spectra appeals to a level of awareness that precedes
thought and therfefore extremely
difficult to convey linguistically”[3].
Para certificar
que este espectáculo puede ser el rey del festival, veamos lo que escribió Time
Out en julio de 2014 a
propósito del Spectra que se presentó en Victoria Tower Gardens:
“Us Londoners love our braggable 'had to be there' moments - the oft-quoted,
never-repeated gig, party or performance. But to experience the most epic public art project you'll see all year,
perhaps all decade, you only need to look outside, from pretty much anywhere in
the city, at any time after 9pm for the next seven days. Raise your eyes to the
sky and you'll see a soaring column of light beamed thousands of metres into
the stratosphere. Installed in Victoria
Tower Gardens,
just beside the House of Lords, 'Spectra' is the work of Paris-based Japanese artist
and composer Ryoji Ikeda, a master of minimalist electronica and installation art with an
international reputation for hi-tech sublime[5].
No cabe duda de que convendría apropiarse la idea de Londres para
ofrecer este espectáculo en Montjuïc para que alcanzara la máxima visibilidad
de la ciudad.
[1] Yuko Hasegawa (2003) Ryoji
Ikeda en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary art”,
Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.) 68
[2] Wikipedia: Spectra URL: http://en.wikipedia.org/wiki/Spectra_%28installation%29
(Consulta: 5.XII.2014)
[3] Yuko Hasegawa (2003) Ryoji
Ikeda en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary art”,
Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.) 69
[4] Ibid. 69
[5] Time Out (2014) Martin Colomer UPR: http://www.timeout.com/london/art/ryoji-ikeda-interview-spectra-is-poised-between-past-and-present
(Consulta: 8.XI.2014)
PROPUESTA Nº
5 – MARINA ABRAMOVIC
Marina Abramovic ha presentado
la instalación Generator (2014) en Sean Kelly Gallery, de Nueva York, hasta el 6 diciembre
2014. La periodista del New York Times ha escrito que la misma no
depende “on Ms. Abramovic’s charismatic personal presence”. En la web de la galería[1]
podemos leer como frase-reclamo-introducción: “The new type of art will be more
like a power station, a producer of new energy.” - Alexander Dorner
(1893-1957)”.
Admitamos que la frase es propicia en una instalación en
la que se priva a los visitantes del sentido de la vista y del oído. En la
galería no puede haber más de 68 visitantes. Los visitantes se pasean por la
galería con total libertad y pueden ya tocar ya abrazar a otro visitante. El
abrazo se puede alargar de mutuo acuerdo. La periodista citada cuenta que al
cabo de un rato empezó a sentirse incómoda y le entró sudor, levantó la mano y tuvieron
que facilitarle la salida. La periodista se pregunta si Abramovic es una
artista o un gurú. Termina diciendo que una obra de arte sin la presencia eléctrica
de Abramovic queda descafeinada.[2] Pensamos
que este último comentario de la periodista confirma, por un lado, que para ella
Abramovic no és una marca más, pues encontró a faltar su “personal presence”; por
otro lado, que la sudoración que sufrió no fue producida por ningún guru, sino por
su propia angustía.
No supo tener en
cuenta que el arte no necesariamente despierta placer, por lo que fue su
subjetividad, su percepción de la obra de arte lo que la angustió; esta
reacción personal no presupone que tuviera que ser compartida por todos los
visitantes. Los sentidos de cada cual ante la misma situación responden de
distinta manera. Este es el mérito de Abramovic.
Pensamos que esta performance sería adecuada para el MACBA.
[1] Sean Kelly Gallery UPR: http://www.skny.com/exhibitions/2014-10-24_marina-abramovi/pressrelease/
(Consulta: 25.XI.2014
[2] The New York Times
UPR: http://www.nytimes.com/2014/11/07/arts/design/at-marina-abramovics-generator-blindfolds-are-required.html
(Consulta: 25.XI.2014)
PROPUESTA Nº
6 . MATHIEU BRIAND
Palabras del artista Mathieu Briand:
“The physical space, which is
situated in the building, is defined by nine sockets and three cameras. They
are linked to a matrix made up of predetermined combination. This is the mental
space. The audience members wear helmets that incorporate a camera, goggle-style-compact
monitor, and headphones. The audience members may also carry a connector that
can be plugged into and unplugged from the nine sockets placed around the
museum, in order to exchange audiovisual experiences with others.
La instalación SYS*017 (2004)[1] integra una realidad
a través de su uso, pero distorsiona el significado de esta realidad. Nuestro
sistema de movimiento espacial/visual es redefinido. Los espacios mentales y
espaciales comparten los mismos límites. El espacio mental evoluciona a través
de las conexiones. El cuerpo se desplaza así mismo en la busca de distintas
visiones del espacio, y la visión se desplaza a sí misma de acuerdo con las
conexiones individuales en el espacio.[2]
El arte de Briand nos propone, como el de Ryoki Ikeda, que las nuevas
tecnologías no solamente dan más profundidad a los sentidos corporales,
especialmente la vista y el oído, sino que el cuerpo humano y la mente entran
en juego con una fuerza exterior que no somos capaces de controlar toda vez que
el campo de las sensaciones y de las percepciones se amplía de tal forma que
nos transporta a un lugar que sólo puede ser mental.
[1] Mathieu Briand: SYS*017 UPR: http://www.mathieubriand.com/2004/sys017-rer06-pig-eqn1525/#6
(Consulta 6.XII.2014)
[2] Mathieu Briand (2003)
Mathieu Briand en “Sensorium embodied experience, technology, and
contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.) 54
[3] Yuko Hasegawa (2003) Mathieu Briand en “Sensorium
embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones
(Cambridge, MA: M.I.T.) 51
PROPUESTA Nº
7 – SISSEL TOLAAS
Nos atrevemos a decir de una manera un tanto
provocativa que aquello que percibe el sentido del olfato tiene algo de mágico
porqué es el más inmaterial. El gusto o la música nos llegan desde algo físico
que vemos, pero el olor es distinto. Incluso se suele percibir que el olfato es
un anexo al sentido de la vista, pues “la vista no engaña”, de forma que si
olemos una piel de naranja y luego vemos una piel de naranja, tenemos clara la
asociación; sin embargo, el olor se difunde de forma irregular y suele ocurrir
que dos personas personas que están juntas no necesariamente perciben las dos
un mismo olor. Si tenemos una visión desagradable, sólo tenemos que girar la
cabeza y mirar a otro lado, mientras que no podemos evitar un olor desagradable
que nos penetra y nos invade. Nos consta que el olor suele ser algo efímero,
evanescente; sin embargo, en Noruega existen iglesias de madera con una
antigüedad de más de mil años que todavía huelen a madera.[1]
En cuanto a
lo efímero leemos: “Smell, at least sincew Locke, Kant and Condillac, has been
relegated to phylosofical abjection, with fragance, odor, scent, aroma,
perfume, and stench all placed at the bottom of the epistemological hierarchi. Because
it is ephemeral, Locke speculated, smell could not stimulate considered
thought, and the poverty of our descriptive language for smells was proof, for
him, of this low status.”[2]
Creemos que este elemento de lo efímero podría
explicar las distintas asociaciones que se han hecho con los olores; así en la
cosmología medieval existía un mosaico de colores, sonidos, y fragancias. En el
cielo los santos y ángeles cantaban eternamente en un floreciente jardín. Este
imaginario fue reforzado por el ritual cristiano: incienso, música, vestuario, así como en las fiestas de los
sabores y en los fastos a que se entregaban los participantes a través de todos
los sentidos.
En el
cristianismo se dio la creencia del
olor de santidad, puesto que “who lived in a state of grace would be infused
with the divine scent of the Holy Spirit–the breath of God.” Hubo unas santas,
entre las que hemos de señalar santa Teresa de Ávila que “many days after the
saint’s death, a nun noticed a sweet odour in the kitchen”[3].
Nótese que este “milagro” no se dio en los
santos.
No hay duda de que la persona que más sabe de olores –ha catalogado más de 7.000– se trata de la noruega Sissel Tolaas. Ella estaría en parte de acuerdo con Locke, pues sabe nueve idiomas y admite que ninguno tiene una terminología clara para definir los olores. Sus investigaciones están en el campo de la sociología, el arte y la ciencia. Nos permitiimos transcribir dos citas de la misma que revelan su personalidad ante la sociedad: “Smell provides a potent symbolic means for creating and enforcing class and ethnic boundaries … The issue of smell and pollution has moved beyond the question of what constitutes a bad smell and the importance of unfouled air; what is at issue is whether or not we have right to “freedom of smell,” or whether our olfactory enviroment can be censored with impunity by those who prefer to keep their stinks hidden”.[4]
Sería positivo proponer que este festival de
arte contemporáneo contara con la presencia de Sissel Tolaas, pues esta noruega
que afirma estar situada en la linea intermedia entre arte y ciencia ha
presentado sus investigaciones y proyectos en MOMA Nueva York; MOMA San
Francisco; Fondation Cartier, Paris; Museum of Modern Art Berlin; Tate Gallery,
Liverpool; Venice Biennale of Art as well as Architecture; National Art Museum
of China Beijing.[5] Creemos que su presencia
sería muy conveniente, pues esencialmente es una educadora social en los olores.
Pureba de ello es su respuesta a la pregunta que se le formuló en cuanto a su
arte: “One project I had was to make cheese from human bacteria. We found that several bacteria in
cheese and humans are the same. We live in a world where the worse the smell of
the cheese the better it is, but the opposite is true for the body.”[6]
Una elocuente provocación.
No obstante consideramos imprescindible terminar el capítulo de los
olores citando a Catherine A. Jones: “This personalization of the sensorium is
essential. The segmentation of
the senses through modern hygiene –those practices by which we care for the
body and its enviroment by cleansing, separeting, and purifying– can be termed
(following Foucault) “tecnologies of the self”. As such, they are deeply
related to individuation, and neatly organized as visual mastery of an ever
more complicated social and sensory field. The Narcissus myth in modern
narratives needs sight before he can confirm the self-love on which
subjectivity depends, but sight is also a metaphor for the mental act of
subordination itself, in which the other sense are spectacularly denied.”[7]
[1] Andreas Keller (2012) Odor as Art Medium UPR: http://andreaskeller.squarespace.com/odor-as-art-medium-2012/
(Consulta: 7.XII.2014)
[2] Caroline A.Jones (2012) The Mediated Sensorium en “Sensorium
embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones
(Cambridge, MA: M.I.T.) 12
[3] Constance Classen
(2003) Fragance: The Odour of Sanctity
en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary
art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.) 142-3
[4] Sissel Tolaas (2003) Sissel
Tolaas en “Sensorium embodied experience, technology, and contemporary
art”, Edit. Caroline A. Jones (Cambridge, MA: M.I.T.) 103
[5] Edinburg International Fashion Festival UPR:
http://edinburghinternationalfashionfestival.com/eiff_people/sissel-tolaas/
(Consulta: 7.XII.2014)
[6] Slow Travel Berlin (2012) Sissel Tolaas: The smell artist
UPR: http://www.slowtravelberlin.com/the-smell-artist/ (Consulta:
7.XII.2014)
[7] Caroline A.Jones (2012) The Mediated Sensorium en “Sensorium
embodied experience, technology, and contemporary art”, Edit. Caroline A. Jones
(Cambridge, MA: M.I.T.) 17
PROPUESTA Nº
8 – FERRAN ADRIÀ
 |
| Aceitunas esferificadas |
 |
| Pa amb tomàrques |
Habida cuenta de que en Cataluña hay dos cocineros con tres estrellas
Michelin, los hermanos Roca del Celler de Can Roca y Carme Ruscalleda
del Restaurant Sant Pau, nos preguntamos si tendría sentido que Adrià
tuviera la colaboración de Roca y Ruscalleda.
[1] Alianza Editorial (2012) http://www.alianzaeditorial.es/cgigeneral/newFichaProducto.pl?obrcod=3262830&id_sello_editorial_web=34&id_sello_VisualizarDatos=34
(Consulta: 8.12.2014)
[2] DW, UPR: http://www.dw.de/documenta-12-abre-sus-puertas-en-kassel/a-2610525
(Consulta 8.XII.2014)
[3] Las recetas de MK. UPR: http://www.lasrecetasdemj.com/2014/03/videoreceta-aceitunas-esfericas-del.html
(Consulta 8,12,2014)
[4] Ferran Adrià, Juli Soler, Albert Adrià (2002) El Bulli
19982-2002 (Roses: El Bulli) 551
PROPUESTA Nº
9 – “TEATRO DE LOS SENTIDOS”
El arte es cada vez más indefinido, la literatura es transgenérica y el
arte de la pantalla se reinventa cada día a la vez que el teatro ha acortado la
distancia con su público. Los colombianos Enrique Vargas y Nelson Jara se
establecieron en Barcelona en la década de los noventa con éxitos teatrales
consechados en su país y en Europa, aquí fundaron el Teatro de los Sentidos
y en julio de 2006 presentaron en el CCCB la obra El eco de la sombra. Nuestro
tema es el espectador activo y sensorium, en esta obra el protagonista
“és invitat a una experiència, alguns diuen sensual, però en el seu sentit més
ampli perquè hi intervé el sentit de l'oïda, el tacte i sobretot el del olfacte…
inspirat en “L’ombra” de Han Christian Andersen.”[1]
 |
| El Eco de la Sombra |
Sobre la
representación en cuestión podemos leer: “The most demanding and
transformational of projects during the 2008 Festival of Firsts was "El
Eco de la Sombra" by Barcelona-based Teatro de los Sentidos. This innovative company has
pioneered an intimate style of "theatre in the
labyrinth", through which each audience member travels to experience
a personal journey full of heightened perception and self awareness.
Staged in a former U.S. Military Armory complex, Clear Story collaborated
with the company's astute artistic and technical team to develop the
implementation plan and facilitate the company's process for this complex
theatrical work. This production was critically acclaimed and generally
regarded as the standout "theatrical experience" of 2008”.[2]
 |
| El Eco de la Sombra |
A propósito del proyecto que nos ocupa hemos tenido la oportunidad de
hablar con Nelson Jara. Admite que los trabajos del Teatro de los Sentidos
podrían ser entendidos como instalación, pero prefieren considerarlos teatro
porque a pesar de que el público circula dentro del espacio que han creado, en
sus obras hay una historia. Su trabajo actual, éxito en Dinamarca, es El
Corazón de las Tinieblas (2014)[3], que mantiene la
premisa del equipo, en palabras de Jara, “contar una historia con los cinco
sentidos”, pero además buscan que la obra sea “una experiencia trascendente o
poética”, en su sentido más profundo. performance algunos
olores los obtiene de plantas frescas o quemando según qué maderas;
evidentemente, hay olores que los obtiene del mercado. En esta obra el sentido
del tacto funciona no tanto por tocar con la mano, sino por el contacto
corporal entre el público. Como siempre el Teatro de los Sentidos es una
experiencia sensorial completa, cuyo marco parece nuevamente adecuado el CCCB.
Respecto a los sentidos, los
investigadores Vargas y Jara trabajan bajo todas las perspectivas posibles,
incluso con ciegos para acertar mejor en su sensibilidad. En sus obras no hay
música, pero sí “paisajes sonoros”, el silencio es importante por pertenecer a
“lo no dicho”. La especialidad de Jara son los olores, así rosa refleja a una
mujer sensual, el jazmín a un señora de edad , el almizcle y la lavanda al
hombre; en sus trabajos, cuando la obra tenía que representar a una ciudad,
entonces, en el caso concreto de Barcelona, por las mañanas olía los cafés, por
lo que su aroma representa “buenos días”, luego olía los múltiples olores de
los mercados y más tarde el olor de las fiestas. Para el teatro/
 |
| El Corazón de las Tinieblas |
[1] Blog: UPR: http://albertdelahoz.blogspot.com.es/2006/07/teatro-de-los-sentidos.html
(Consulta: 10.XII.2014)
[2] Clear Story UPR: http://clearstorycreative.com/theatre-production-1/
(Consulta: 13.XII.2014)
[3] Teatro de los Sentidos: UPR: http://www.teatrodelossentidos.com/eo/obradetall.php?ido=115
(Consulta: 10.XII.2014)
BIBLIOGRAFIA
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Mediated Sensorium en “Sensorium embodied experience, technology, and
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Las recetas
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Sarah
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los Sentidos: UPR: http://www.teatrodelossentidos.com/eo/obradetall.php?ido=115
(Consulta:
10.XII.2014)
Time
Out (2014) Martin Colomer UPR: http://www.timeout.com/london/art/ryoji-ikeda-interview-spectra-is-poised-between-past-and-present
(Consulta:
8.XI.2014)
Wikipedia:
Spectra URL: http://en.wikipedia.org/wiki/Spectra_%28installation%29
(Consulta:
5.XII.2014)
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